ENTREVISTA KIRSTEN HUTSCH

CULTURA DEL ARTE / 2021

Rodrigo Carreño: Tras la última exposición colectiva en la galería en el año 2018 (`El Umbral de lo Visible´), ahora vuelves con tu primera exposición individual. Presentas la nueva serie `Taped Paintings´ en el que continúas con muchos de tus procesos iniciales pero en este caso, en vez de retirar elementos del lienzo, los añades. ¿Por qué ese cambio?

Kirsten Hutsch: Realmente no hay un cambio. El concepto es el mismo, el material y la investigación no cambian. Todo se trata de convertir un objeto que sale de un concepto en una imagen pictórica. Los principios de mi trabajo surgen de mi fascinación y curiosidad por cómo, en los humanos, la realidad «entra» a través de nuestro cerebro. Tengo curiosidad por saber hasta qué punto esta realidad tiene algo que ver con el ser real de las cosas.

R. C: ¿Cuál es el proceso y la técnica de creación de `Taped Paintings´?

K. H: Se trata de pegar unos lienzos más pequeños a otros más grandes usando la cinta adhesiva. Lo que me interesa sobre este material, la cinta, es que no importa cuantas veces se cambie por una nueva ya que no va a demostrar el proceso que lleva. A diferencia de la pintura, reemplazar la cinta no deja rastro ya que al reemplazarla se elimina la acción anterior. Puede ser remplazada muchas veces sin que se muestre nada del pasado, solo existe en el presente. Está siempre en un tiempo intemporal. Así, como resultado, el proceso es no visible y hace que el trabajo sea directo. La cinta se mantiene fresca como la primera vez.

R. C: Como comentas, en estas series utilizas un elemento cotidiano para otorgar al lienzo otro registro y conseguir unas composiciones donde se relaciona lo real con la imagen. ¿Por qué el uso de la cinta adhesiva?

K. H: La cinta me permite volver a investigar la pintura sin ser pintor. En estas obras la cinta es una referencia a la pintura y a la imagen abstracta. Crea una imagen que sobre todo representa el método de su aplicación. La utilizo como si fueran las pinceladas de un cuadro, así simulo las pinceladas desde el punto de vista del modernismo. También me interesa esa sensación de estar a medio camino entre la pintura y la escultura. Se crea un estado ambiguo entre la imagen y el objeto, lo físico y la ilusión. Es como si cogiera la pintura y la llevara a un objeto escultórico. La cinta es el elemento pictórico que sustituye a la pintura.

R. C: ¿Qué determina el uso y el color de la cinta adhesiva en cada composición? ¿Y, una vez pasado un tiempo, la cinta puede soltarse o caer? ¿Cómo resuelves este problema, si es que es un problema?

K. H: La cinta no puede caerse porque la fabrico yo recreando con materiales de artista la cinta prefabricada. La cinta original tiene una goma que se deteriora y provoca que se caiga la cinta, pero la mía no tiene ese material y no puede caerse. La idea de generar una cinta duradera no es solo una parte de la práctica artística sino que me permite crear un material más duradero y sostenible. En cuanto a la paleta cromática me gusta respetar los colores de las cintas prefabricadas y así mantener la misma gama de colores en las cintas que yo creo. Me limito al stock de los carretes individuales en vez de usar las infinitas posibilidades que ofrece el color si lo creara yo.

R. C: En esta exposición podemos ver obras que siguen diferentes patrones. Por un lado obras como Taped Painting no. 15 (2021) en donde las cintas se aplican de manera directa y espontánea; por otro lado, obras como Stuck no. 3 (2020) que parecen imágenes creada por una aplicación de dibujo y, por último, obras como Composition in Colour (2020) en el que observamos un lienzo mayor que actúa como fondo de otros lienzos más pequeños. Pero en todas se crea una sensación de relieve y de ensamblaje…

K. H: Esto sucede porque trabajo con diferentes series y cada una de ellas viene de una investigación diferentes sobre los patrones y características del modernismo. Es una revisión del modernismo desde un punto de vista contemporáneo. Las series se basan en ideas y características que estaban detrás de las obras de De Stijl como el tratamiento poco sentimental de la pintura, el color, la línea, la búsqueda de una expresión directa de la realidad… Por eso puedes observar cómo en algunas pinturas la imagen se concentra dentro del plano del lienzo encerrada en sí misma y en otras series la imagen se extiende más allá de los límites del plano de la imagen.

R. C: Por último, en tu paso por Murcia hemos visto como has investigado sobre lo que ocurre cuando se eliminan elementos de la composición. Ahora añades elementos y utilizas la cinta adhesiva para crear nuevas composiciones y elementos a base de unir y superponer. ¿Hacia dónde va el trabajo de Kristen tras esta exposición? ¿en qué momento de tu investigación sobre los procesos que afectan a la pintura y al lienzo te encuentras ahora?

K. H: Para mí es una sorpresa. Cada vez que voy creando una nueva serie, voy reinventándome, como he comentado. De esta manera, voy encontrando nuevos lenguajes que voy desarrollando con el tiempo. Si el proceso me gusta, sigo por ese camino. Pero es algo inesperado. Además me aburro muy rápido y mis producciones nunca son muy largas, siempre estoy en constante cambio. Lo mas importante es que el concepto es el mismo desde hace treinta años.