ENTREVISTA LAWRENCE CORBY

CULTURA DEL ARTE / 2016

RODRIGO CARREÑO: Para empezar por tus inicios en el mundo del arte contemporáneo hasta que realizas tu primera exposición ‘In Love with Europe’, junto a David Risley (The Zwemmer Gallery) ¿Qué sucede en este periodo hasta realizar tu primera exposición? ¿Cómo son tus primeros años?

LAWRENCE CORBY: En realidad, nunca supe muy bien que es lo que estaba haciendo. Nunca hacia nada premeditadamente. De hecho en la universidad me metía en cursos que tenía que cambiar por no adaptarme a ellos. Fue una época de incertidumbre en ese sentido.

R.C: ¿Qué supuso para ti esta primera exposición como artista? ‘In Love with Europe’, junto a David Risley (The Zwemmer Gallery)

L.C: cuando terminé los estudios, mi trabajo era muy confuso tenía mucho tiempo y no me aclaraba. Esto me ayudo a asentar mis ideas con coherencia para poder ofrecer un proyecto. Lo que me gustó mucho, pero también me sorprendió, fue ver que había gente que quería ver mi obra. Hasta este momento nunca había enseñado nada a nadie.

R.C: A partir de aquí has conseguido crear un lenguaje propio con tus obras, una realidad pictórica propia. Generas unas composiciones gestuales a través del collage donde juegas con el uso del color, las formas. ¿Qué supone para ti el color en tu obra? ¿Buscas alguna simbología?

L.C: El uso del color es intuitivo. No tiene un valor simbólico.

R.C: Como hemos comentado antes, en tus composiciones utilizas la técnica del collage. Una técnica muy característica y personal ¿Por qué te decantas por esta técnica?

L.C: Cuando empecé todo eran collages. Entonces lo que comencé a hacer fueron cuadros a partir del collage, los pintaba, imitaba el collage. Hacía esto porque pensaba que la gente no estaba dispuesta a aceptar esta técnica. Pero me di cuenta que esto tiene una inmediatez más superior, que es más creativo, no tenía sentido porque el collage habla por sí solo. Es por esto que utilizo el collage.

R.C: Dentro de este uso del collage, ¿Con qué materiales te sientes más cómodo trabajando? ¿Sigues algún tipo de pretexto a la hora de elegir uno u otro material?

L.C: Estoy ensanchando el uso de los materiales. Con el tiempo cada vez hay más materiales en el mercado, como por ejemplo los lienzos de color. Trabajo un poco con los materiales artísticos, tengo el estudio con muchos materiales y son los que uso. Nunca iría a buscar nada a la calle.

R.C: He observado que muchas de tus obras están regidas por líneas horizontales y verticales, mientras que otras quedan rotas por figuras circulares y líneas diagonales. Un juego geométrico que a veces resulta algo frágil ¿Hay intencionalidad en estas formas?

L.C: Las líneas horizontales y verticales o círculos, e incluso las diagonales, son líneas muy simples. Lo que consiguen es contener los colores, delinearlos. Antes cuando pintaba los colores se corrían, las líneas no estaban definidas. Digamos que es una algo fortuito, que forma parte de mi obra.

R.C: Con todo esto consigues unas obras cercanas a la abstracción pero en relación con la realidad. Intentas reinterpretar la realidad con los objetos que esta te brinda, acercarte a lo cotidiano pero desde un punto de vista ideal. ¿Podrías explicar esto?

L.C: Esto es totalmente cierto, has dado en el clavo. Esto me hace muy feliz (comenta entre risas). Has acertado plenamente en esto porque yo no busco la abstracción, sino que busco estar constantemente en relación con el mundo real.

R.C: Pasando a hablar un poco de la influencia o pensamiento ¿qué importancia tiene en tu obra la figura de Philip Guston y su necesidad de eliminar la distancia o el tiempo entre el pensar y el hacer?

L.C: Este es uno de mis métodos. Eliminar al máximo la línea entre pensar y hacer. Por esto hago el collage porque me permite una inmediatez. De esta manera hago la obra y una vez realizada, pienso. A veces dejo la obra un tiempo y vuelvo a ella más tarde.

R.C: Alguna vez has hablado de economía de medios, ¿a qué te refieres con esto en relación con tu obra?

L.C: Si… quiero hacer lo máximo con lo menos posible. Lo que me permite el collage es hacer esto y poder eliminar elementos que pienso que sobran pero sin que la composición pierda ese sentido. Efectivamente se trata de una economía de medios, intentar expresar lo máximo con lo mínimo. Forma parte de mi trabajo.

R.C: ‘Stand by Me’ es tu segunda exposición individual en la Galería Art Nueve (Murcia). Han pasado siete años desde tu primera muestra en esta ciudad, “From London” 2009. ¿Qué consideras que ha cambiado desde entonces? ¿Qué cosas nuevas aportas en esta vuelta a Murcia?

L.C: Me parece una pregunta compleja. Por ejemplo, una cosa simplemente práctica es que yo hacía una imprimación antes de comenzar con el collage, y ahora ya no lo hago porque no tiene ningún sentido. Pero sobre todo he desarrollado el sentido de gusto en relación a enseñar mi obra, me gusta compartirla. Antes acumulaba mucha obra sin enseñarla, pero ahora he conseguido llegar a una fase donde quiero mostrarla. Como dice un amigo mío: desde ese momento las obras dejan de ser tuyas, son del espectador.

R.C: Y desde el punto de vista artístico ¿Se podría hablar de un cambio respecto a lo anterior? ¿O más bien una continuación, una consolidación de tu trabajo?

L.C: Si. Siempre una continuación.

R.C: Y para finalizar, comentar que tu obra se ajusta en gran medida a la línea seguida por Art Nueve. ¿Te sientes a gusto trabajando con ellos?

L.C: Si no me sintiera a gusto no estaría aquí. Me siento muy a gusto, me gusta estar aquí en todos los aspectos.